1日1曲、クラシックの深呼吸

画像: Edward Elgar, writing (1931).jpg / Herbert Lambert (1881–1936) / Wikimedia Commons (パブリックドメイン) 卒業式で聴いた、あの堂々とした旋律。曲名を調べると「エルガーの威風堂々」と出てきますが、最初から最後まで同じ調子の曲ではありません。この記事では、日本でも学校行事の入退場曲として親しまれる第1番について、二つの表情を聴き分ける手がかりを紹介します。 とくに覚えている旋律が、ゆったりと大きく歌う部分なら、それは中間部です。この旋律は「希望と栄光の国」という歌でも知られています。今夜は冒頭から通して聴き、記憶の中の音がどこで現れるか確かめてみませんか。 曲の基本情報 作曲者：エドワード・エルガー 曲名：行進曲「威風堂々」第1番 ニ長調 作品39-1（ Pomp and Circumstance March No. 1 ） 作曲年：1901年 編成：管弦楽 演奏時間：約6分（演奏によって異なります） 「威風堂々」は一曲だけの名前ではなく、エルガーが書いた行進曲集の名前です。卒業式の曲として思い浮かべる人が多いのは、その第1番。音源を探すときは「威風堂々」に「第1番」または「Op.39-1」を添えると、聴きたい曲にたどり着きやすくなります。 全体は、歯切れのよい行進曲の部分と、幅広く歌う中間部の対比でできています。旋律だけを短く抜き出した音源では中間部から始まることもあるため、曲全体を初めて聴くと、記憶と違う出だしに驚くかもしれません。その違いも第1番の面白さです。 日本で耳にする場面 日本では、卒業式や入学式の入退場曲として「威風堂々」第1番に親しんできた人がいます。行進する足取りに合う明確な拍と、中間部の大きく広がる旋律。その両方を持つ曲なので、人が列になって進む場面と、式の節目を迎える場面のどちらにも重ねて聴けます。 ただし、「卒業式で聴く曲」という印象だけで曲全体を想像すると、中間部以外の音楽を見落としがちです。入場や退場の途中で耳に入った数十秒と、演奏会で最初から最後まで聴く約6分とでは、受ける印象が変わります。まずは式で覚えた旋律を目印にして、その前後にも耳を向けてみてください。 卒業式とこの曲の結びつきは、日本だけのものではありま...

画像: Jacques Offenbach by Nadar.jpg / Nadar / Adam Cuerden / Wikimedia Commons (パブリックドメイン) 運動会の徒競走が始まると、急に足取りが速くなりそうな音楽が流れることがあります。オッフェンバックの「天国と地獄」として知られる、あの旋律です。この記事では、曲の名前がいくつもある理由と、速い部分をいっそう楽しく聴くためのポイントを整理します。 耳になじんだ旋律から聴き始め、興味が湧いたら舞台作品の一場面へ。いつもの運動会の音楽が、登場人物たちのにぎやかな踊りとして聞こえてくるはずです。 曲の基本情報 作曲者 ：ジャック・オッフェンバック 作品名 ：オペレッタ《地獄のオルフェ》（ Orphée aux enfers ）。日本では《天国と地獄》という題でも知られます 初演 ：1858年、パリ この記事で扱う旋律 ：作品の終盤に登場する「地獄のギャロップ」（ Galop infernal ） 作品番号 ：なし まず押さえたいのは、「天国と地獄」が一つの短い器楽曲だけを指す名前ではないことです。もとは歌やせりふを伴う舞台作品で、運動会で耳にする速い旋律はその一部分。「地獄のギャロップ」や「カンカン」と呼ばれると、音を思い浮かべやすいかもしれません。 検索すると「天国と地獄 序曲」という名前でも、この旋律に出会います。ただし、舞台の終盤にあるギャロップと、演奏会で独立して取り上げられる序曲は、同じものを指す言葉ではありません。序曲の終わりに有名な旋律が現れる録音もあるため、曲名だけでは区別しにくいのです。 さらに、広く演奏される長い序曲は、オッフェンバック自身が1858年の初演のために書いた冒頭部分をそのまま延ばしたものではありません。ウィーンでの上演に際してカール・ビンダーが編んだ序曲が知られています。「序曲」と「地獄のギャロップ」を聴き比べるときには、この来歴を知っておくと混乱を避けられます。 日本で耳にする場面 日本でこの旋律を身近に感じる場面の一つが、運動会です。徒競走の音楽として流れると、短い音が続く勢いと、拍をはっきり感じられるリズムが、走る場面に重なります。会場で耳にした経験がある人なら、曲名を知らなくても旋律は歌えるのではないでしょうか。 文明堂の...

画像: Frederic Chopin photo.jpeg / Louis-Auguste Bisson / Wikimedia Commons (パブリックドメイン) ショパンの「別れの曲」を聴こうとして、「誰との別れを描いた曲なのだろう」と思ったことはありませんか。この名前は日本で広まった愛称で、作品の正式な題名には「別れ」という言葉はありません。日本での呼び名の由来を確かめながら、曲そのものにも耳を向けてみましょう。 静かな旋律だけを覚えている方も、全曲を通して聴くと印象が変わるかもしれません。途中には音が密集し、緊張が高まる部分があります。最初の旋律が戻ったとき、何が違って聞こえるか。その一点を意識するだけでも、約4〜5分の聴き方が変わります。 曲の基本情報 作曲者： フレデリック・ショパン 正式な曲名： 練習曲 ホ長調 作品10の3（Étude in E major, Op. 10, No. 3） 編成： ピアノ独奏 作曲時期： 1830年代初め 演奏時間： 約4〜5分。演奏によって変わります 「別れの曲」は、ショパンが作った練習曲集《作品10》の第3曲です。「練習曲」と聞くと、指を速く動かすための教材を想像するかもしれません。しかし、ショパンの練習曲は演奏技術を磨く作品であると同時に、演奏会でも聴かれるピアノ曲です。この第3曲では、旋律を歌わせながら、ほかの音も整えて弾くことが大切になります。 楽譜や録音を探すときは、「別れの曲」のほかに「ショパン 練習曲 作品10の3」や「Chopin Étude Op. 10 No. 3」も手がかりになります。同じ「ショパンの練習曲」には別の作品番号の曲もあるため、 作品10の3 まで確かめると見つけやすくなります。正式な曲名を知っておけば、日本語の愛称が使われていない録音にも迷わずたどり着けます。 ホ長調という調名も基本情報の一つですが、聴く前に覚える必要はありません。まずは冒頭の旋律と、その下で動く伴奏を別々に聴いてみてください。一つのピアノから出る音でも、それぞれに異なる役割があることがわかります。 日本で「別れの曲」と呼ばれる理由 この曲の原題は、特定の別れの場面を示すものではありません。日本で親しまれる「別れの曲」という愛称は、ショパンの生涯を描いたドイツ映画『...

画像: HOLST 1901 portrait.jpg / Wikimedia Commons (パブリックドメイン) 平原綾香の「Jupiter」で親しんだ旋律を、ホルストの「木星」で聴いてみませんか。あのゆったりした旋律は、管弦楽組曲『惑星』の第4曲、その中間部に現れます。この記事では、歌から原曲へ戻ったときに聞こえる違いと、「木星」全体の聴きどころをたどります。 原曲を再生すると、知っている旋律がすぐに始まるわけではありません。まず飛び込んでくるのは、弦楽器の細かな動きと、金管楽器が加わる勢いのある音楽です。その先に歌の旋律がどう現れ、どんな音楽へ戻っていくのか。流れを知ると、一曲を通して聴く楽しみが増します。 曲の基本情報 作曲者：グスターヴ・ホルスト 曲名：組曲『惑星』（ The Planets ）作品32より、第4曲「木星」（ Jupiter, the Bringer of Jollity ） 作曲時期：組曲『惑星』は1910年代に作曲 編成：管弦楽 演奏時間：「木星」はおおむね7〜8分。演奏によって異なります 『惑星』には七つの曲があり、「木星」はその4番目です。「作品32の第4曲」という意味で「Op.32-4」と記されることもありますが、作品32は組曲『惑星』全体につけられた番号です。曲を探すときは「ホルスト 惑星 木星」でも見つけやすいでしょう。 英語の副題 the Bringer of Jollity は、陽気さや喜びをもたらす者、という意味合いです。ただし、曲名から思い浮かぶ壮大で穏やかな旋律だけで一曲ができているわけではありません。前半には足取りの軽い場面が続き、その性格の違いが「木星」を聴く鍵になります。 『惑星』は、太陽系の惑星を天文学の説明として音にした作品ではありません。各曲の副題には、惑星に結びつけられてきた占星術的な性格が表れています。地球の曲がなく、七つの曲それぞれに異なる気分があることも、組曲を聴く際の手がかりです。 日本で耳にする「木星」 日本で中間部の旋律を知るきっかけの一つが、平原綾香が2003年に発表した「Jupiter」です。ホルストの「木星」に現れる旋律に日本語詞をのせた歌で、原曲を聴くと「あの歌はここにつながるのか」と気づけます。声で覚えた旋律を、楽器の音色だけで聴き直せるのも...

画像: Antonín Dvořák, portrait.jpg / Wikimedia Commons (パブリックドメイン) 「遠き山に日は落ちて」を聴くと、学校から帰る夕方を思い出す方もいるでしょう。その旋律のもとになったのは、ドヴォルザークの交響曲第9番「新世界より」第2楽章です。歌として覚えた曲をオーケストラで聴くと、旋律が現れる前の静けさや、途中で変わる景色にも気づけます。 日本では「遠き山に日は落ちて」や「家路」という名で親しまれています。ただし、第2楽章の始まりから終わりまでを歌にしたわけではありません。この記事では、よく知られた旋律が楽章のどこに置かれ、どんな楽器で奏でられるのかをたどります。 曲名を知っていても、交響曲を通して聴いたことはないかもしれません。まずは第2楽章だけで大丈夫です。聴き慣れた歌が聞こえてきたところから、前後の音にも少しずつ耳を広げてみてください。 曲の基本情報 作曲者 ：アントニン・ドヴォルザーク 作品 ：交響曲第9番 ホ短調 作品95、B.178「新世界より」（ Symphony No. 9 in E minor, “From the New World” ） 作曲年 ：1893年 取り上げる部分 ：第2楽章「ラルゴ」 編成 ：オーケストラ。よく知られた主題はイングリッシュホルンが奏でます 演奏時間 ：第2楽章だけでおおむね12分前後。演奏によって変わります 「ラルゴ」は、ゆったりした速さを示す言葉です。第2楽章には、歌えるほどはっきりした旋律があり、その周囲を木管楽器や弦楽器の音が彩ります。「遠き山に日は落ちて」の部分だけを思い浮かべて再生すると、最初の音が違うことに驚くかもしれません。 この曲は四つの楽章からなる交響曲です。第2楽章の旋律は独立した歌としても親しまれていますが、原曲では大きな作品の一部として置かれています。短い歌で旋律を覚えた方にも、楽章を通して聴く楽しみがあります。 日本で耳にする「遠き山に日は落ちて」 日本語の歌詞で「遠き山に日は落ちて」と始まる歌は、第2楽章の有名な主題をもとにしています。「家路」という題でも知られ、学校の下校時の放送を思い出す人もいるでしょう。歌を先に知ってから「新世界より」を聴くと、オーケストラの中に懐かしい旋律を見つけることになります。 ...

フォーレ 舟歌第1番 イ短調 作品26 ヴェネツィアのゴンドラ漕ぎ歌から、ピアノの優雅なクラシックへ フォーレの舟歌第1番は、 ロマン主義ピアノ音楽の中でも最も洗練され優雅な傑作 です。アルカンの暗い孤独、スクリャービンの神秘的な精神の恍惚、リストの哲学的苦悩とは異なり、フォーレは ヴェネツィアのゴンドラ漕ぎ歌を基に、繊細な感情と優雅なリズムの交響曲 を創り出しています。これまでの三曲の劇的な壮大さとは対照的に、フォーレは 抑制された穏やかな美しさ の中に深い情緒を込めています。 1. 作曲家と舟歌の背景 1.1 フォーレの生涯と音楽 ガブリエル・フォーレ （1845-1924）は、 フランス・ロマン主義の精髄 を代表する作曲家です。聖職者を経て、後に パリ音楽院院長 を歴任した巨匠ですが、リストやブラームスのような刺激的な巨大音楽とは一線を画し、 抑制された優雅さと古典的節制 に貫かれた音楽を追求しました。 フォーレの最も有名な言葉： 「華麗な説明も大げさな題名もなく、純粋な音楽そのもので感情を表現することが好ましい。」 1.2 舟歌とは？ 舟歌 （Barcarolle）は、イタリア語の 「バルカローラ」 （barcarola）に由来し、 「舟（barca）」と「船頭（gondoliere）」の歌 を意味します。 本来の舟歌： ヴェネツィアのゴンドラ船頭たち が歌っていた 民謡 ゴンドラを漕ぐ動きと水の波動を表現するリズム 6/8拍子または12/8拍子 で、柔らかく揺れるテンポ 雰囲気： 穏やか、ロマンティック、郷愁的、わずかなメランコリー 19世紀のクラシック音楽でも、この形式は 非常に人気がありました ： ショパンの舟歌（嬰ヘ長調） メンデルスゾーン「無言歌集」より「ヴェネツィアのゴンドラの歌」3曲 オッフェンバックのオペラ「ホフマン物語」より「美しい夜」 そして フォーレは13曲の舟歌 を作曲し、 このジャンルを自身のものにしました 。 1.3 作品26の作曲と初演 フォーレは 1881年頃に舟歌第1番を作曲 し、1881年にパリのJ. Hamelle出版社から出版されました。 初演： 1882年12月9日、 カミーユ・サン＝サーンス （Camille Saint-Saëns）が初演しました。（サ...

波音に隠された声 ある音楽は、最初の音からあなたを見知らぬ場所へと連れていく。ピアノの鍵盤の上で始まる低い響き、単調に繰り返される和音たち。それは波だろうか、心臓の音だろうか。私がこの曲を初めて聴いたとき、誰かが耳元で囁いているようだった。「ここに、この場所に座って最後まで聴いてごらん」と。 アルカンの前奏曲 作品31 第8番、「海辺の狂女の歌(La chanson de la folle au bord de la mer)」。タイトルだけで既に一つの物語が広がる。海辺にひとり座って歌う女性。彼女はなぜ狂ったのか。何が彼女を海へと導いたのか。音楽はその答えを直接語らない。代わりに私たちを彼女の傍らへと連れていき、共に波音を聴かせる。 この曲は短い。わずか4分ほど。しかしその中には一人の人間の孤独と狂気、絶望と諦念がすべて込められている。華麗な技巧もなく、劇的なクライマックスもない。ただ繰り返される音型と、断片化されたメロディーがあるだけ。それなのに不思議なことに、この単純さがより深いところを揺さぶる。 ショパンの影に隠れた天才 シャルル＝ヴァランタン・アルカン。1813年パリに生まれ、1888年にこの世を去ったこの作曲家の名を、あなたは聞いたことがあるだろうか。19世紀中頃のパリで、彼はショパン、リストと肩を並べるピアニストだった。6歳以前にパリ音楽院に入学した神童。数々の賞を手にした天才。それなのに今、私たちはショパンは知っていてもアルカンは知らない。 なぜだろう。アルカンは1848年以降、次第に世間から遠ざかった。隠遁者のように暮らしながらも作曲を続けたが、彼の音楽はあまりに複雑で、あまりに個人的だった。大衆はショパンの叙情性とリストの華麗さを求めていたのであって、アルカンの実験的で内密な世界を受け入れる準備ができていなかった。ユダヤ系音楽家として自身のルーツを音楽に込めようとした彼の試みも、当時は理解されなかった。 そうしてアルカンはほぼ一世紀の間忘れられた。1960年代になってようやく何人かのピアニストたちが彼の楽譜を再び取り出し始めた。そして私たちは遅ればせながら気づいた。私たちが失っていたものが何であったかを。 アルカンの25の前奏曲 作品31は1844年に作曲され、1847年に出版された。バッハが平均律を書いたように、ショパンが24...

海の向こうに消えた声たちが戻ってくる時 ある音楽には時を遡る力が宿っています。まるで古いアルバムをめくるように、一枚一枚広がる記憶の断片のように。Vaughan WilliamsのNorfolk Rhapsody No. 1を初めて聴いた時、私は1905年のイギリス東部海岸のある小さな港町に立っているような気分になりました。霧が深く立ち込めた夜明け、漁師たちの荒い手から生まれる民謡の調べが風に乗って聞こえてくるようでした。 この曲は単に聴く音楽ではありません。あなたを150年前のイギリスのある海岸の村へと連れて行く音楽的タイムトラベルなのです。そこから聞こえてくるのは華やかなコンサートホールの拍手の音ではなく、波音と漁師たちの歌声、そしてその間に染み込んでいる人生の哀歓です。 民謡収集家から作曲家へ、ある青年の覚醒 1905年1月、33歳のRalph Vaughan Williamsはノーフォーク地方の小さな港町キングス・リンに足を踏み入れました。彼は法律家出身で遅く音楽に飛び込んだ青年作曲家でした。当時のイギリス音楽界はドイツロマン主義の影に覆われており、イギリス独自の音楽言語を見つけることは切実な課題でした。 キングス・リンのノース・エンド地区、漁師たちが集まって住む町で彼は運命的な出会いを持ちました。漁師James Carterが聞かせてくれた'The Captain's Apprentice'という民謡が彼の人生を変えたのです。この曲は150年前に捕鯨船の船長が貧しい見習いを残酷に殺して絞首刑に処された実際の事件を歌ったバラードでした。 ヴォーン・ウィリアムズは元々三つのNorfolk Rhapsodyからなる交響曲を構想していました。しかし2番と3番は数回の演奏後、作曲家自身によって撤回され、1番だけが生き残ってイギリス田園音楽の傑作として位置を占めました。1906年に初演されたこの作品は1914年に大幅に改訂されて現在の姿を整えました。 五つの民謡が織りなす音楽的タペストリー Norfolk Rhapsody No. 1は約10-12分の単一楽章作品です。遅い序奏(Adagio)と速い主部(Allegro vivace)で構成されていますが、その中には五つのノーフォーク民謡が精巧に織り込まれています。 霧の中か...

静寂の中で聞こえる最後の挨拶 ある音楽は、最初の一音から心の奥深くを触れていきます。シューベルトのピアノソナタ D.960、その第2楽章アンダンテ・ソステヌートがまさにそんな曲です。嬰ハ短調の最初の和音がピアノから響き渡る瞬間、まるで時が止まったような静寂の中に吸い込まれていきます。 この音楽を初めて聴いた時の記憶が今でも鮮明です。夜が更けていく時間、世界のすべての騒音が眠りについた後、ピアノから流れ出る単純だけれど胸を痛くする旋律。それは誰かの最後の告白のようで、同時にすべてを許す抱擁のようでした。 もしかしてあなたもそんな瞬間を経験されたことがあるでしょうか？音楽が単純な音を超えて、まるで誰かがあなたの心を正確に読み取り、それを音符に翻訳してくれたような感覚を受けたことがあるかもしれません。 天才の最後の2か月が残した遺産 1828年9月、31歳のフランツ・シューベルトは、自分に残された時間がそれほど多くないことを知っていました。第三期梅毒の末期段階、毒性の強い水銀治療の副作用で体はすでに限界に達していましたが、彼の指先からはまだ奇跡のような音楽が流れ出ていました。 ピアノソナタ第21番 D.960は、彼が生涯最後に完成させた3つのソナタの中の最後の作品です。特に第2楽章アンダンテ・ソステヌートは、多くの音楽愛好家が「ピアノ文献中で最も感動的な楽章」と呼ぶ傑作です。シューベルトはこの曲を完成させてわずか2か月後、1828年11月に世を去りました。 嬰ハ短調という調性の選択からして意味深長です。第1楽章の変ロ長調とは和声的に非常に遠い調性で、まるで別世界への旅を暗示しているようです。シューベルトはこの楽章を通して私たちを「厳粛で胸を痛くする静寂」の世界へと導いていきます。 単純さの中に隠された無限の深さ この楽章の構造は驚くほど単純です。A-B-Aの3部形式、規則的に繰り返されるリズムパターン、狭い音域の中で動く旋律。しかしこの単純さの中にシューベルトは人間の最も深い感情を込めました。 A セクション - 嘆く魂の歌 曲が始まると私たちを迎えるのは、バルカローレ（舟歌）スタイルの柔らかな伴奏の上に流れる下行する旋律です。この下行する2度音程は、まるで深いため息を音楽に翻訳したかのようです。時計の秒針のように規則的なリズムが続いて繰り返されま...

静寂な心に染み入る最初の音符 ある音楽は最初の音符から、あなたの心を察知して近づいてきます。ラフマニノフの エレジー 変ホ短調 Op. 3 No. 1 がまさにそんな曲です。ピアノの鍵盤の上に落ちる最初の旋律は、まるで秋の夕方、窓辺に一人座って何かを懐かしんでいる心に似ています。悲しくても絶望的ではなく、寂しくても寂寥感だけではない、そんな感情です。 19歳の若きラフマニノフが1892年に残したこの作品は、年齢を信じがたいほど成熟した感情の深さを見せています。もしかしてあなたも10代後半や20代前半に感じた、あの微妙なメランコリーを覚えていますか？世界への漠然とした憧れと、まだ経験していないものへの渇望が混ざり合った、あの複雑な感情を。 ロシアの大地に咲いた若い魂の歌 セルゲイ・ラフマニノフ（1873-1943）がこのエレジーを作曲した時、彼はモスクワ音楽院の学生でした。驚くべきことに、この曲は彼の和声学の教授だったアントン・アレンスキーに献呈されています。師に捧げる学生の心がこれほど深く成熟していることができるとは、まさに驚異的です。 「エレジー（Elegie）」はフランス語で「悲歌」を意味します。しかし、この曲の悲しみは叫ぶような悲しみではなく、心の奥深くから静かに流れ出てくるような哀愁です。ラフマニノフは生涯にわたってこの種の感情を音楽で表現することに天才的な才能を示しましたが、その出発点がまさにこの作品だったと言っても過言ではありません。 この曲は「幻想的小品集（Morceaux de fantaisie, Op. 3）」5曲の中の第1曲です。同じ作品集には、あの有名な嬰ハ短調の前奏曲も含まれていますが、エレジー独特の情緒的な深さは決して他の曲に劣りません。 音で描かれた感情の風景 この曲を聴いていると、ラフマニノフがいかに繊細に音楽的構造を設計したかを感じることができます。左手は広い音域を行き来しながら豊かな和声的基盤を作り出し、その上で右手が歌うように旋律を展開します。これはショパンの夜想曲からインスピレーションを受けた構造ですが、ラフマニノフ独特の和声的色彩が加わって、完全に新しい世界を創り出しています。 曲はModerato（中程度の速さ）で始まって穏やかで思索的な雰囲気を保ちながら、中間部の「Più vivo」セクションで突然テ...

ある午後、ピアノの鍵盤上で出会った小さな嵐 時として最も短い瞬間が最も深い印象を残すものです。メンデルスゾーンの無言歌Op.102 No.3を初めて聴いた時、まるで1分30秒の間小さな台風に巻き込まれたような気分でした。ピアノの鍵盤上で繰り広げられるこの「タランテラ」は、文字通り踊る音楽です。指先が鍵盤を軽やかに撫でて作り出す音は、イタリア南部の熱い日差しの下でくるくると回る踊り手の足音のように生命力に満ちています。 この曲を聴くと、なぜメンデルスゾーンが「無言歌（歌詞のない歌）」というジャンルを創造したのか一瞬で理解できます。どんな言葉でも表現できない純粋な喜びとエネルギーが、ピアノという楽器を通して完璧に伝わってくるからです。 ロマン派時代の若き天才が残した宝石 メンデルスゾーンとその時代 フェリックス・メンデルスゾーン（1809-1847）は、ロマン派音楽の黄金期を牽引した作曲家の一人です。ベルリンの裕福な家庭に生まれた彼は、幼少期から音楽的才能を発揮し、特にピアノ音楽において独創的な色彩を見せました。彼が生きた19世紀前半は産業革命と共にブルジョワ階層が成長していた時期であり、家庭で楽しめるピアノ音楽への需要が急増していた時代でした。 無言歌集の誕生 メンデルスゾーンの「無言歌（Lieder ohne Worte）」は、まさに革新的な発想でした。「歌詞のない歌」という意味のこのジャンルは、ピアノで歌曲の叙情性を表現しようとする試みでした。全8巻48曲からなる無言歌集は1830年から1845年まで15年をかけて完成され、それぞれの曲は短いながらも完成度の高い一つの完全な世界を含んでいます。 Op.102は最後の8番目の曲集として、メンデルスゾーンが1841年から1845年にかけて作曲しました。この時期は彼の音楽的成熟度が頂点に達していた頃で、技術的完成度と感情的深さが完璧に調和した作品群が誕生しました。 音で描かれた踊りの現場 タランテラのリズムが作る魔法 この曲の核心はまさにタランテラのリズムです。イタリア南部ナポリ地方の伝統舞曲であるタランテラは、速い6/8拍子で、まるで毒グモに咬まれた人が毒を抜くために狂ったように踊るという伝説に由来しています。メンデルスゾーンはこの伝説的な踊りのエネルギーをピアノという楽器で完璧に再現しました。...